260409 billboard方時赫《ARIRANG》製作採訪翻譯

👤對我個人來說，這是一個我投入了超過一年半人生與心力的計畫。

他表示，大約在BTS成員服兵役過程進行到一半時，在成員們的鼓勵與提議下，他開始著手進行 《ARIRANG》這個企劃。他補充說，與這樣一個具有象徵性與影響力的團體合作，所承受的壓力是「極其巨大的」。

👤承載著成員們給我的信任，我接下了製作人的角色，但說實話，這類型的工作對製作人而言所帶來的壓力，其實和藝人本身承受的一樣沉重。音樂在本質上應該建立在真誠與藝術性之上，我相信成果並不應該是最終目標，而是自然而然隨之而來的結果。同時，作為一個身處流行音樂產業的人，要完全不去在意各種成績與數據，在現實上幾乎是不可能的，因為那些指標最終反映的，正是大眾對作品的回應。

防彈時隔將近四年的回歸是一件非常重大的事情。可以談談整體的規劃過程嗎？

👤在成員們履行兵役期間，公司層面仍持續推進那些可以提前進行的工作。由於那段時間他們無法積極參與專輯製作，我們便把重點放在能事先準備的部分，包括收集與挑選歌曲，以及規劃整體的創意方向與品牌概念。在個人層面上，只要成員們放假，我都會盡量與每位成員單獨見面。我們進行了很多對話，談論他們當時的感受，以及他們的想法是如何改變與發展的。

在我們正式開始為專輯收集與挑選歌曲之前，其整體結構的設計，以及音樂方向的確立，其實是在我們在美國舉行的前期歌曲創作營中逐漸成形的。2025年初，在成員們退伍之前，我們就選定了Diplo作為主導製作人，負責統籌並監督現場的創作過程。到了4月和5月，我們在LA舉辦了兩次前期歌曲創作營，在那段時間裡一共發展出了大約100首原型曲目。

7月，在所有成員服完兵役之後，我們在京畿道一間度假民宿裡設置了一個私人監聽室，並舉行了一整天的音樂工作坊。當我們一起聆聽在前期歌曲創作營期間創作出的眾多原型曲目時，也進行了非常深入的討論———現在的BTS能做些什麼、現在的BTS應該做些什麼，以及最終，只有BTS才能做到的是什麼。

那麼，這張專輯的identity（* 傳遞的核心精神與整體形象）是什麼呢？

👤我們最終得出的結論其實非常明確。BTS 2.0不應該只是過去的延續，它必須是種宣言，象徵著開啟全新篇章的開始。用我當時說過的一句話來形容，這張專輯在音樂上的本質，是一段為了回答一個問題而展開的旅程：「如果當年發行出道專輯《2 Cool 4 Skool》的BTS，一直以那樣的identity成長，沒有過去13年裡的各種曲風變化或外在擴展，那麼，他們會創作出什麼樣的音樂，來引領當下這個時代呢？」

當這個願景變得清晰之後，我們立刻和成員們一起在LA展開了正式的大型歌曲創作營。之所以在7月就立刻前往美國，其實是刻意做出的決定———我希望打造一個環境，讓成員們能夠完全專注在音樂創作上。事實上，在服完兵役之後，每位成員原本都已經安排好自己的私人休息時間與計畫，但當我非常真誠地詢問他們時，他們沒有任何猶豫就全都答應了，取消了各自原本的行程，並一起飛往美國。

任何曾服過兵役、或身邊有人服過兵役的人都會明白，這絕對不是個容易做出的決定———即使是像BTS這樣世界上最知名的團體也是一樣。他們也是人，他們也需要休息。然而，他們仍選擇展現出這樣程度的投入，這本身就充分說明了他們有多麼熱愛音樂，以及為何他們會成為BTS。

在最初的兩週裡，我們刻意不設定任何嚴格的創作規範。因為當你聽到某個概念時，腦海裡想像的樣子，和真正透過創作過程中那種所謂的「magic touch（*靈感魔法）」呈現出來的結果之間，往往會有落差。

因此，逐步收斂方向的過程是非常必要的。直到兩週之後，我們才開始整理這些素材，找出哪些方法是最有效的，並逐漸確立更具體的創作方向。透過這樣的過程，我們終於把原本模糊的構想逐漸具體化，最終發展成200到300首完整成形的音樂作品。

順帶一提，這次歌曲創作營的規模與能量，其實在美國音樂產業內部也成為了一個話題。從傳奇級製作人到新崛起的創作人才，各種不同背景、擁有鮮明音樂風格的創作者，只要是符合我們所想像的BTS 2.0音樂方向的人，全都參與了這次創作。甚至有一位資深製作人對我說：「自從2000年代之後，我就再也沒有看過規模這麼龐大的歌曲創作營。」像這樣的大型創作營，如今在美國其實已經不常見了。而且，有很多人都希望能參與BTS的回歸，甚至有一些原本沒有受邀的知名製作人們，也直接聯絡了我，或是聯絡HYBE和BIGHIT MUSIC的工作人員，詢問是否能加入這次的創作營。

你能描述一下第一次再次和所有成員一起坐下來談話的情景嗎？那感覺如何？他們當時最想做的事情是什麼？

👤老朋友們之間常會有一種感覺，即使多年沒見，也好像時間從未流逝，就像昨天才見過一樣。當我再次與成員們重逢時，正是那樣的感覺。在他們退伍後，我們先在韓國進行了一次音樂工作坊，之後大家又一起到LA參加歌曲創作營。然而，那第一天，儘管它象徵著很多意義，但某種程度上卻出乎意料地普通。

我們只是簡單寒暄了一下：「嗨。」、「哦，你來了。」然後就坐到桌前，立刻開始工作。看著大家毫無特別儀式感地直接投入音樂之中，我突然意識到：「我們真的重新開始了。」

他們想做的事情其實很明確。不是成為一個依靠過去成就延續下去的「男團」，而是回到自己的根———用音樂去證明一個只有BTS 在此刻才能提出的問題。

另一個讓我印象深刻的時刻是更近期的一件事，大約發生在專輯發行前一個月。那天我和RM、柾國一起隨意吃了頓晚餐，之後我們去了柾國的家，而其他成員也不約而同地陸續加入了。在那裡，我們一起坐下來，從頭到尾專心聽完了整張已經完成的 《ARIRANG》 專輯。我們把所有燈光都調暗，只留下柔和的環境燈光，幾乎就像是一場只屬於我們自己的私人聆聽會。我們半開玩笑地對彼此說：「這張專輯是傑作。」結果我們就這樣把整張專輯從頭到尾聽了兩遍。在那段時間裡，我們談論到關於對這張專輯多麼有信心。回首過往，我想那份自信是來自於成員們終於能完全表達出自己真正想說的話，以及他們想要傳達的音樂身份。從這個意義上來說，我相信這張專輯 《ARIRANG》，確實真實地反映了成員們自己想要前進的方向。

在音樂本身的製作上採取了什麼樣的方向？自從BTS上一張專輯之後，K-pop和整體音樂環境都已經有所改變。這對你們來說既是挑戰，也是機會嗎？

👤在這張專輯中，成員們和我有一個非常明確也相當刻意的目標：超越長久以來「男團」這個標籤———這個標籤往往帶著西方音樂產業中深植已久的偏見，並確立BTS作為真正藝術家的定位。

過去，許多從男團出身的藝人們，在想要完成這種轉變時，通常會選擇離開團體、發展個人事業。但其實幾乎沒有真正出現過這樣的案例：一個團體在維持自身團體身份的同時，完全打破既有的成見，並在團體內部重新定義自己。為了做到這一點，我們做出了非常有意識的決定：深深尊重我們所來自的音樂體裁與傳統，但絕不讓自己被它們所限制。

同時，在歌詞與訊息上，我們也希望比過去更加誠實地反映出我們如何看待這個世界，以及此時此刻內心的感受。

在很多方面，這樣的創作其實要求藝術家完全敞開自己，不只是表達想法，更要毫無保留地坦露內心的脆弱。因此，這張專輯所呈現的，其實就是現在的BTS———七位成員本身，以及他們對自己內心世界的坦率表達。

如果從整個產業的角度來看，而不只是團體本身，我也希望BTS的新專輯能成為一種催化劑，推動K-pop市場產生兩次具有深遠意義的轉變。

第一，我希望它能拓展人們對於「藝人生涯」可能性的想像。BTS其實早就已經突破了人們常說的 「七年魔咒」，大幅延長了一個K-pop團體能持續活動的時間。如今，也有越來越多藝人們能維持超過十年以上的職業生涯。但我希望這張專輯所帶來的，不僅僅只是在職業生涯長度上的延續，我更希望它能成為一個催化劑，帶來更有意義的轉變———鼓勵藝人持續在藝術上成長、重塑自己。

第二，我希望這張專輯能引發人們對音樂專輯體驗與消費方式的改變———特別是重新關注黑膠唱片這種形式。在全球範圍內，黑膠的消費量其實一直在持續成長。僅僅是在美國市場，每年的成長率大約就達20%左右。然而，在K-pop產業中，整個市場仍高度集中在CD的消費模式上。我認為現在是時候超越既有的消費模式，開始擁抱像黑膠這樣新的成長動力———而它不只是另一種音樂載體，更是一種以不同方式與音樂互動的體驗。

串流音樂確實讓人可以立即、快速地接觸到音樂，
但黑膠鼓勵人們與音樂建立一種更有意識、更長久的關係———一種會被收藏、保存，並且更深度去體驗的關係。是在BTS的這張最新專輯中，儘管黑膠的製作數量已經大幅增加，某些版本仍很快就售罄了。如果像BTS這樣的團體能夠帶頭推動這樣的轉變，我相信這將能為長期以CD消費為中心的K-pop產業帶來新的動能與活力。

成員們有哪些改變？在他們對音樂產業與音樂本身的態度上，你看到最大的變化是什麼？

👤整體的工作模式其實和以前差不多：我會先聆聽成員們提出的想法，幫助他們把那些想法整理、塑型成更清晰的方向，而他們則會再用各自獨特的色彩，將這些想法真正落實到音樂之中。當我提出需要修改的地方時，我們會一起討論，再透過合作的方式把作品打磨得更完整。就像以前一樣，我也會透過訊息即時和RM交換歌詞，一邊討論一邊調整。我們也延續過去的習慣，在和外部製作人們進行正式製作之前，先聚在一起花好幾個小時把目前完成的作品全部聽一遍，並一起對齊整體方向。

真正改變的，其實是成員們的能力———更準確地說，是他們成長的程度。我至今仍記得第一次聽到《Into the Sun》這首歌的時候，那是V參與創作的一首歌曲。過去，V在詞曲創作或是為BTS專輯貢獻多首歌曲這件事上，參與度其實沒有那麼高，但這首歌卻是個非常出色的作品。這樣的成長，在所有成員身上都能看到。

隨著成員們逐漸成長為更成熟的藝術家們，整個創作過程也自然變得更加以藝人為主導。我刻意只在必要的時候才介入。事實上，也有一些時候是他們自己在創作卡關時主動來找我，希望得到一些指引或突破。這張專輯裡，我的角色主要是幫助確立整體的大方向，並在幾個關鍵決策上提供意見。

你們承擔了什麼樣的風險？

👤在實際製作過程中，我們承擔了相當大的風險。
最大的問題是：觀眾是否真的會接受我們為「BTS 2.0」所設想的這種轉變。為實現這樣的轉變，我做了兩個刻意的決定，選擇離開過去那些已被證明成功的公式。

第一，是視覺語言的轉變。我們完全放棄了傳統K-pop的方式，也就是把藝人們呈現為最精緻、最風格化、最視覺化升級的形象。相反地，我們選擇忠於專輯想傳達的訊息———減少外在的視覺奇觀，把焦點放在捕捉成員最真實的樣子，作為人的他們，以及那種來自真實性的美。

第二，是從根本上重新塑造「表演」角色的決定。這個企劃最大的風險，就是大眾是否會接受我們所定義的「BTS 2.0」這種大膽的轉變。尤其在編舞方面，我們同時嘗試了兩種截然不同的冒險模式。

首先，我們必須徹底放下既有的成功公式。當製作進入後期階段時，編舞仍然沒有最終定案。成員們因感疲憊而來找我，坦率地表達了他們的失望，他們問我「為什麼在這個階段，他們仍然沒有明確的方向。」在那之前，我其實都一直刻意保持距離，因為我希望在音樂之外的領域，也能尊重他們自己的願景。但在那次對話之後，我直接介入，並做出了決定，把一切重新歸零，丟棄所有現有的編舞草案。

特別是像《Swim》和《Hooligan》這些歌曲，編舞被精簡到極致，甚至讓人感覺幾乎沒有編舞。成員們對此提出質疑，擔心這是否能體現出BTS的風格。

我回答他們：「你們早就擁有一種只要存在於舞台上，就能掌控整個舞台的氣場。像你們這樣的藝人，有時只是站著就足夠了。你們過去做過的那種高強度編舞，有時反而會掩蓋音樂本身。如果只是單純跟隨下一世代已經採用的那些方法———那些其實正是你們自己當初建立起來的方法———那就不符合你們現在所承載的重量與地位。既然你們選擇開啟新的篇章，就應該呈現一種新的表演方式———一種能讓音樂本身被真正聽見的表演。」

成員們花了將近兩週時間嘗試這兩種方式，在不斷重複、比較、感受差異之後，才逐漸真正理解。

同時，我們也必須建立一個新的標準，來滿足那些把BTS與強烈風格、刀群舞聯想在一起的粉絲期待。我不認為我們可以單純地重復那種「刀群舞」式的精准編舞，畢竟，從某種意義上來說，正是BTS定義了這一風格。反而，我們真正需要的是一種表演，能夠宣告「這就是BTS的層級」。同時，也為K-pop的編舞開啟新的地平線。

事實上，一些vocal成員一開始甚至反對把這首歌放進專輯，他們說自己沒有信心能完全消化這首歌曲，但我非常堅定地認為，《2.0》必須收錄。因為與過去那種爆發式、向外釋放的能量不同，這首歌曲建立在一種更加克制、內化的強度之上———它在凝聚能量的同時，精準承載了BTS的傳統和底蘊。因此，它對這張專輯而言是不可或缺的。

「Arirang（阿里郎）」在韓國的重要性是什麼？為什麼你建議把它作為專輯的標題？

👤在韓國，「Arirang」遠遠不只是一首傳統民謠。它承載著一種溫柔而帶著苦澀的哀愁情感，源自離別與思念；同時，它也能把這樣的情感轉化為能量與「興（*興致）」———象徵韓國人們在面對苦難時所展現出的韌性與生命力。在某種意義上來說，它是一種「活著的傳承」，會隨著每一位演唱者而被不斷重新塑造、重新詮釋。我認為，這樣的情感框架正是最精準、最有力量的容器，能夠用來表達如今BTS內心世界的樣貌。因此，我提議把 「Arirang」 作為這張專輯的核心概念。

在整個過程中，當我與成員們長時間交流時，我再次意識到，儘管他們已經是全球性偶像，但在本質上，他們依然是一些仍在深刻探索「自我身份」問題的年輕男人們。借用RM的話來說，他們其實只是「來自韓國的鄉村少年們」。他們在一個陌生的全球舞台上前行，在過程中也曾經歷困惑；同時，不論是否出於他們本意，他們也逐漸背負起「聚光燈的重量」以及一種巨大的責任感。在某種程度上來說，這一切都是非常沉重的。我認為，這個企劃的核心，就是要最真實地揭示出在他們英雄形象之下，所隱藏的人性的掙扎，以及那種「破碎的自我」。

就在那段時間，我讀到了一段歷史記錄：1896年，有七名年輕的韓國男子來到美國，面對陌生的語言與文化環境，在異國生活。他們留下了一首被認為是最早被記錄下來的韓國歌曲———《阿里郎》。那個畫面，在130多年前，他們在異國土地上，透過音樂來證明自己的存在———與現在BTS成員們所面對的處境產生了驚人的相似。2025年，他們從軍隊歸來，再次站上全球舞台，準備以BTS 2.0來開啟新篇章。這感覺並非巧合，更像是一種共同且持續延續的命運感———一種可以透過「離散」的視角來理解的命運連結。

我們所聚焦的 「Arirang」，並不是一種停滯不前或沉鬱的悲傷。正如韓國民謠的特質，我們更想強調的是它的韌性———那種能夠把失去與痛苦轉化為充滿動態生命力節奏的力量。我們相信，對於藝術家們來說，能坦然地展現自己的脆弱，並在這種脆弱之中找到繼續前行的力量，這才是真正的「BTS精神」。

在整個製作過程中，我反覆向所有參與者強調的一件事是：Arirang絕不能被當成是個淺薄的符號或單一的概念，它不應該被簡化為像是「只要加入Arirang就會變得很韓國」，或「最韓國的就是最全球的」這樣淺薄的口號。

最終，Arirang成為了最清晰的羅盤，它既回望了BTS過往13年的旅程，也指向一個新的時代：「A Love Beyond」———一種超越國界與世代的愛。在這個意義上，這首歌已經不再只是對傳統的簡單再詮釋，它更像是BTS本身的一種鮮活的自我表達，在此刻持續進化、並不斷影響著世界。

作為一名韓國人，當你聽到成千上萬的人在全球熱門歌曲《Body to Body》中與BTS一起合唱《阿里郎》（*此處指歌曲後段的取樣部分）時，你有什麼感受？

👤即使是在BTS演唱另一首全球熱門歌曲《MIC Drop》的時候，我也記得曾經被一個瞬間深深打動過———來自世界各地、說著不同語言的粉絲們，竟然能用韓文整齊劃一地唱出歌曲的一部分。第一次看到那個畫面時，那種力量真的非常震撼。然而，在《Body to Body》這首歌中，當大家一起唱出《阿里郎》的時候，那種體驗變得更加深刻和多層次。

BTS或許並沒有刻意這樣去想，但在韓國，他們常常被視為某種接近「國家代表」般的存在。當然，在一開始的時候，成員們與團隊之間其實有過許多討論，也存在不同的看法———是否真的應該把像 「Arirang」 這樣具有強烈韓國民謠特色的元素放進歌曲裡。但作為製作人，我的想法是：如果作為藝術家，因為各種內在或外在的顧慮，而選擇放棄一個可能會帶來如此強烈情感衝擊的元素，那最終，也許會變成一件讓人後悔的事。我不希望BTS錯失創造這樣一個瞬間的機會，一個能夠在粉絲與更廣大的大眾心中留下長久印象的時刻。最終，我們與成員們達成了共識，並一起見證了如今已成為經典瞬間的那一刻。

之後在一次會議中，成員們還笑著跟我分享說：「一開始，我們其實有點擔心，這樣會不會看起來像是過度民族主義式的行銷。但當我們把這首歌放給身邊的人們聽之後，我們交談過的每一位韓國人都說
當《阿里郎》那段響起時，他們全身起雞皮疙瘩，深受感動。看來這次你又說對了。」

Netflix的演唱會是在光化門廣場拍攝的。我了解到這是你的想法。光化門有什麼意義呢？為什麼選擇在那裡拍攝？

👤雖然這件事已經被廣泛討論過，但我一直認為，標誌著BTS新篇章的第一個舞台，必須發生在一個具有明確「韓國性」的地方。當他們的回歸消息開始傳開時，我們收到了來自世界多個主要城市的提案，希望能夠主辦他們的第一場演出。然而，我內心非常強烈地認為，對從韓國出發並成長為全球級藝人的團體來說，這樣重要的一個時刻，不應該從海外開始。

最終，光化門廣場被證明是最合適的選擇。正如許多人所說的那樣，看著BTS以最具有韓國特色的姿態回歸，並一起站在韓國最具象徵意義的場所之一，那個畫面本身就成為了這張專輯訊息的一種強而有力的視覺呈現。

特別是舞台本身的設計也非常極簡，整個舞台只設置了一個巨大的長方形結構，沒有繁複華麗的裝飾。當光化門廣場作為背景，BTS在前方表演時，整個場景看起來幾乎像是一個連接過去與現在的「傳送門」，那種感覺讓我格外震撼。那是一個同時兼具歷史感與當代感的畫面，也是個真正令人難忘的舞台。我也想再次向我們的合作夥伴Netflix表達感謝，感謝他們幫助我們把這個舞台真正實現出來。

另一個非常美麗的韓國文化元素，是你們在曲目《No. 29》中加入了「聖德大王神鐘」的「Emille鐘聲」，這也是你的想法。這口神鐘在韓國文化中的意義是什麼？它在這張專輯中的作用又是什麼？

👤如果你仔細聽整張專輯，你會發現前半部與後半部之間存在著非常明顯的對比。專輯開頭的前半段帶有一種宏大的氣勢，幾乎像是在宣告「王者歸來」一般，象徵BTS在將近四年的空白期後重新回歸舞台；而後半段則呈現出更為克制、更加內省的氛圍，描繪的是那些背負著「王冠重量」的年輕人們，內心真實的情感與掙扎。如何在這兩種截然不同的情緒之間建立連結，是我思考很久的一件事。我覺得，如果在中間引入鐘聲，或許能形成一段帶有冥想感的過渡，讓聽眾自然地進入專輯的後半部分。一般來說，專輯確實常常會透過interlude（*過場曲）來轉換氛圍，但通常，這些過場曲都是另外創作的器樂曲。然而在這一次，我們嘗試了一個新的方式———只使用鐘聲本身，而不加入任何其他音樂元素。

這個想法其實是源自於我去年造訪韓國國立中央博物館的一次經驗。當時館長Yoo Hong-jun親自向我介紹了聖德大王神鐘的鐘聲。他非常熱情地帶我進行了一次私人博物館導覽，並對我說：「如果你是做音樂的人，那這個聲音你一定要聽。」接著他帶我來到專門展示這口鐘的展覽空間。我在那裡待了相當長的一段時間，靜靜地坐著聽鐘聲，同時也了解了這口鐘的歷史與文化意義。館長向我解釋說，考慮到這口鐘製作的時代背景，它的工藝與聲學設計都非常驚人。就在那個時刻，我產生了一個想法———這個聲音應該被用作這張專輯中的過場曲。

在東亞的傳統中，鐘的設計通常會讓聲音產生深沉而持續的共鳴。而聖德大王神鐘經常被認為是這種工藝的巔峰之作。這口鐘的設計使得它的聲音能夠形成一種幾乎不間斷的共鳴循環———聲音似乎正逐漸消失，但卻又從未真正消散。這種現象被稱為 「共鳴餘音」。以同樣的方式，我也希望這張專輯能夠承載期許：希望BTS的音樂能像這樣，在流逝的時間之中持續留下長久的回響。同時，我也認為這樣的一首曲子，會自然地激起聽眾們的好奇心，不論他們來自哪個國家。特別是，我希望當國際聽眾們因為好奇而去了解這個聲音的意義與歷史時，也能因此更深入地理解韓國的文化遺產。

過去幾年，流行音樂界出現了一股民族文化自豪感重新興起的現象。舉一個非常好的例子就是Bad Bunny與他的專輯《DeBÍ TiRAR MáS FOToS》，那是一張極具波多黎各文化特色的作品。那麼現在，是否也到了韓國擁有自己特殊音樂文化大使的時候了？例如BTS與《ARIRANG》這樣的作品？

👤透過這張專輯，我相信BTS將會成為一種象徵性的存在———不只是代表韓國，而是真正意義上的普世流行音樂藝術家，並以自身的獨特魅力成為一個真正的標誌性存在。當Netflix宣傳BTS的回歸直播時，他們使用了「THE WORLD’S BIGGEST BAND（*世界上最大的樂團）」這個詞。在我看來，那並不只是宣傳標語，而是一種對現實的反映。

這其實是我在公司內部經常使用的一種說法：我認為BTS正逐漸成為一種「目的地」般的存在。的確，他們能夠走到今天，很大程度上來自粉絲群體的力量。但現在，他們正超越粉絲群體本身，逐漸成為一個在全球範圍內被大眾普遍認識與接受的團體。

就像人們會想要在新的迪士尼樂園開幕後去參觀，或是在新的漫威宇宙電影上映時自然會想去觀看一樣，BTS正逐漸成為人們會自然而然想要去親身感受他們魅力的藝術家。換句話說，他們正在突破原本集中於核心粉絲群體的邊界，逐漸演變成能吸引並連結更廣泛大眾群體的藝術家。

我也非常有信心，像BTS這樣的藝術家存在，將會擴大整個市場規模，並提升人們對整體K-pop產業的興趣。任何音樂體裁，最終都需要具有變革性的藝術家———那些能代表並重新定義這個體裁的人。正是透過這些藝術家，以及他們創造的關鍵時刻，一個音樂體裁的邊界才會被向外推展，並吸引到原本圈子之外的更多觀眾。BTS在K-pop中正是扮演了這樣的角色。而我也希望，在經歷一段時間後他們的回歸，能為整個韓國音樂產業帶來新的動力與動能。

（🈲一切轉載）

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Chairman Bang Tells the Real Story Behind Making BTS’ Historic ‘ARIRANG’